Kein Wasser, kein Hall, kein Pardon: 40 Jahre Slayer-Meisterwerk für die Ewigkeit – „Reign in Blood“!

Vierzig Jahre später bleibt diese Platte ein monumentaler Meilenstein, der Klang, Tempo und die Grenzen dessen, was in der harten Musik möglich ist, für immer verändert hat.

Mitte der 1980er Jahre hatte sich im Thrash Metal bereits eine eigene Hierarchie herausgebildet, an deren Spitze Metallica nach der Vertragsunterzeichnung bei Elektra im Jahr 1984 stand. Bei Slayer waren zu diesem Zeitpunkt bereits zwei Alben beim Independent-Label Metal Blade erschienen – „Show No Mercy“ und „Hell Awaits“ – und sie folgten dicht dahinter, aber wie der Musikjournalist Don Kaye für das Magazin Louder schrieb, habe damals „niemand so recht erwartet, dass Slayer einen Vertrag bei einem Major-Label unterschreiben würden, weil sie zu hart spielten.“

Dann folgte ein unerwartetes Bündnis. Das Hip-Hop-Label Def Jam, das hinter dem Erfolg von Run-DMC und den Beastie Boys steckte, hatte die Band ins Visier genommen, und sein Chef Rick Rubin bemühte sich hartnäckiger als jeder andere Konkurrent um ihre Unterzeichnung. Das Album, das aus diesem Deal hervorging, „Reign in Blood“, kam am 7. Oktober 1986 auf den Markt. Gitarrist Kerry King erinnerte sich in einem Interview mit Metal Hammer: „Wir waren uns damals gar nicht bewusst, wie besonders die Arbeit geworden war. Wir wussten, dass es cool war, aber wir hätten nie gedacht, dass man in 30 Jahren noch darüber sprechen würde.“

Die Ambitionen waren absolut bewusst. „Wir wurden frech“, erinnerte sich Schlagzeuger Dave Lombardo in einem Interview für die Oral History von Louder. „Wir hatten bereits zwei Alben veröffentlicht und waren auf Tournee gewesen.“ Der Inhaber von Metal Blade, Brian Slagel, formulierte das Ziel direkt: „Bei ‚Reign In Blood‘ hatten wir eine einheitliche Vorgabe: ‚Wir wollen die schnellste und härteste Platte aufnehmen, die jemals erschaffen wurde‘.“

Neues Material entstand anders als zuvor. Gitarrist Jeff Hanneman kaufte Aufnahmegeräte und begann, Demoaufnahmen zu machen, wobei er der Band Kassetten mit bereits fertigen Schlagzeugparts, Riffs und Arrangements brachte. Er hatte sich damals ernsthaft für die West-Coast-Punkszene interessiert. „TSOL, Minor Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks... Jeff entdeckte ständig neue Bands“, erzählte Dave Lombardo. „Das war definitiv ein Wendepunkt.“ Sänger und Bassist Tom Araya bemerkte, dass niemand daran dachte, Ecken und Kanten zu glätten: „Kerry und Jeff sagten, sie wollten kein langsames Album aufnehmen; sie wollten etwas Schnelles machen. Sie ahnten nicht einmal, dass es so schnell werden würde...“

Bei Rick Rubin hatte man kaum Erfahrung mit der Metalszene. Er sah Slayer zum ersten Mal im New Yorker Club The Ritz und erzählte in derselben Retrospektive: „Vor dem Konzert wusste ich nichts über sie, und sie haben mich einfach umgehauen.“ Die Reaktion von Kerry King auf die Zusammenarbeit war weniger enthusiastisch: „War ich ein Fan von Hip-Hop? Nein, war ich nicht.“

Die Band begab sich zusammen mit Rick Rubin und dem Toningenieur Andy Wallace ins Hit City West Studio in Los Angeles. Dave Lombardo erinnerte sich an diesen Ort als sehr bescheiden: „Das Studio befand sich in einem kleinen Gebäude am Pico und La Cienega Boulevard. Nichts Luxuriöses.“ Seine Parts nahm er überraschend schnell auf. „Ich glaube, ich habe es in drei oder vier Tagen geschafft“, erinnerte er sich. „Keine Computer, keine Software. Alles war einstudiert: Man hatte das Tempo, drückte die Aufnahmetaste und versuchte, keine Fehler zu machen.“

Das wichtigste Geheimnis für die Klangänderung war das Entfernen von Überflüssigem. Auf „Hell Awaits“ hatte die Band intensiv einen dichten Hall verwendet, und Jeff Hanneman beschrieb den Unterschied später so: „‚Hell Awaits‘ hatte diese ‚Wall of Sound‘-Produktion im Stil von Phil Spector. Rubin sagte: ‚Das braucht ihr nicht. Ohne Hall wird der Sound aggressiver und schlägt direkt ins Gesicht.““ Kerry King erinnerte sich an den Moment, als sich das Puzzle zusammenfügte: „Jemand sagte damals: ‚Du brauchst keinen Hall, um cool zu klingen.‘ Als dieser Gedanke im Kopf sackte, dachten wir: ‚Okay, das klingt verdammt kompakt.““

Rick Rubin ging an die Sache heran wie ein begeisterter Fan, der seine eigene Theorie hatte und nicht mit standardmäßigen Metal-Gewohnheiten belastet war. In einem Interview mit Rick Beato im Jahr 2024 erklärte er seinen Ansatz: „Ich wollte nicht, dass es zu einem breiigen Bass-Grollen wird; ich wollte einen klaren Puls.“ Und er fügte hinzu: „Ich habe durch Subtraktion gearbeitet, nicht durch Addition. Wir kehrten zum Kern zurück.“ Das Einzige, was er bat hinzuzufügen, war das Gefühl einer Bedrohung. Die einzige Beschwerde von Rick Rubin, laut MusicRadar, war, dass die Band leicht von der satanistischen Ästhetik der ersten beiden Alben abwich, und zu einem bestimmten Zeitpunkt forderte er: „Mehr Satan!“ „Sie entfernten sich von ihren Wurzeln“, lachte er. Dasselbe Material zitiert Jeff Hanneman darüber, wo der Löwenanteil der Titel entstand – im Zimmer seiner Freundin bei deren Eltern: „Wenn ihr Vater von der Arbeit nach Hause kam, tranken wir drei oder vier Martinis, spielten Videospiele, und dann schrieb ich Musik in ihrem Schlafzimmer.“

Zehn Songs reduzierten die früheren, ausladenden Kompositionen der Band auf ein hartes Minimum. „Angel of Death“ eröffnet die Platte mit einer Länge von 4:51, und Jeff Hanneman schrieb es, nachdem er während einer Tournee intensiv Bücher über Josef Mengele gelesen hatte. Dave Lombardo beschrieb die Stimmung kurz: „Die Anweisung war: ‚Lasst uns brutal sein. Lasst uns unheimlich und dunkel sein.‘ Ich fand, das war großartig.“ Der letzte Track des Albums entstand buchstäblich in letzter Minute. Kerry King erzählte, dass er den Text für „Raining Blood“ direkt im Foyer des Studios fertigstellte: „Ich glaube, Jeff nahm gerade die Spuren drinnen auf. Er hatte keine Ideen für den Teil, an dem ich arbeitete, und er meinte: ‚Okay, dann versuche ich es mal. Ich bin fertig.““ Der Lieblingsabschnitt des Albums für Dave Lombardo – das ist der Übergang von „Postmortem“ zu „Raining Blood“, den er als „monströs“ bezeichnet und hinzufügt: „Es ist episch, wie ein Track in den anderen übergeht.“ Das Album endet mit einer ganzen Minute Regengeräuschen.

Die Kürze der Veröffentlichung überraschte absolut jeden, einschließlich des Sängers. „Alle 10 Songs passten in 28 Minuten“, sagte Tom Araya. „Vertraglich muss ein vollwertiges Album mindestens 45 Minuten dauern. Ich fragte Rick, ob das in Ordnung sei. Seine Antwort lief auf Folgendes hinaus: ‚Es sind 10 Songs, das macht ein Album. Es gibt Strophen, Soli und Refrains darin.““

Das Cover war nicht weniger provokant als die Musik selbst. Rick Rubin beauftragte Larry W. Carroll, einen politischen Illustrator, dessen Arbeiten in The Progressive, The Village Voice und The New York Times erschienen waren, und nicht einen Standard-Künstler der Harten Szene. „Wir brauchten ein Cover, das unser Wesen widerspiegelte“, erklärte Tom Araya. „Wir wollten nicht unser Äquivalent zu Eddies von Iron Maidenerschaffen, aber das Visuelle musste sofort einschlagen.“

Carroll erhielt Musik und Texte, und als Antwort schuf er eine groteske, überladene Vision der Hölle: eine dämonische Figur mit Ziegenkopf thront über einem Meer aus abgetrennten Köpfen, umgeben von verstümmelten Körpern und religiöser Symbolik. Später gestaltete Carroll die Cover für „South of Heaven“ und „Seasons in the Abyss“, aber „Reign in Blood“ legte die Bildsprache fest, die untrennbar mit Slayerverbunden wurde: brutal, okkult, erschreckend und bewusst schwer zu verdauen.

Dann griff der Vertrieb ein. Die Veröffentlichungen von Def Jam liefen über Columbia, und der Präsident der Firma, Walter Yetnikoff, hielt „Angel of Death“ für antisemitisch und weigerte sich, das Album zu veröffentlichen, wenn der Eröffnungstrack nicht entfernt würde. Die Band lehnte ab. „Eine plötzliche Wendung – die Plattenfirma wollte das Album nicht mehr veröffentlichen“, erinnerte sich Tom Araya. „Wir so: ‚Verdammt...‘“ Die Erinnerungen von Kerry King sind ebenso direkt: „Ich hatte zu der Zeit keine Ahnung von der Welt. Ich dachte: ‚Das ist der lächerlichste Mist, den ich je gehört habe.““

Schließlich nahm das Label Geffen das Album auf, verzichtete aber bewusst darauf, sein Logo auf die Platte zu setzen, und schloss sie vom offiziellen Veröffentlichungsplan aus. Dave Lombardo glaubt, dass dieser Skandal geholfen hat: „Wir folgten einfach Rick und seinen Plänen, und das hat wirklich zu unseren Gunsten funktioniert und eine Aura des Geheimnisvollen um das Album geschaffen. Die Leute wurden neugierig.“ Musikjournalist Don Kaye erinnerte sich daran, dass Mainstream-Magazine die Band damals praktisch ignorierten, und die einzige Erwähnung im Rolling Stone erschien erst, nachdem Columbia sich geweigert hatte, die Veröffentlichung zu vertreiben.

Die Band wies die Vorwürfe, den Nationalsozialismus zu unterstützen, wiederholt zurück, und das Gegenargument von Kerry King, das Louder aus einem Interview mit Loudwire von 2015 zitiert, blieb unverändert: „Meine Antwort darauf ist seit dem ersten Tag diese: Wenn ihr das auf dem History Channel anmacht und Slayerentfernt, ist das eine lehrreiche, faszinierende Reise durch den Zweiten Weltkrieg. Fügt dort Slayer und Heavy Metal hinzu – und alle sofort: ‚Oh, die meinen das ernst!‘“

Die Platte schaffte es nie in die Radiorotation. Sie debütierte auf Platz 127 der Billboard 200, stieg in der sechsten Woche auf Platz 94, erreichte in Großbritannien Platz 47 und erhielt am 20. November 1992 in den USA den „Gold“-Status. Die erste Reaktion von Brian Slagel war lakonisch: „Es fühlte sich an, als würde man 29 Minuten lang ununterbrochen mit dem Hammer auf den Kopf geschlagen.“

Bei Live-Auftritten riss das Album alles auf seinem Weg mit. Die Tour begann an Halloween 1986 im The Moore Theatre in Seattle, wo als Vorband Overkillspielten. Sänger Overkill Bobby „Blitz“ Ellsworth erinnerte sich an diesen Empfang: „Wir gingen vor Slayer auf die Bühne und wurden mit nassen Papiertüchern, Zippo-Feuerzeugen und Münzen beworfen.“ Dave Lombardo beschrieb die Folgen der Headliner-Sets: „Sie räumten die Halle nach dem Konzert, und man ging durch den Saal, und überall standen Blutpfützen.“ Später im selben Jahr verließ er die Band, aber Rick Rubin rief ihn täglich an, bot ihm ein Gehalt und holte ihn schließlich selbst in seinem Porsche ab, um ihn zur Probe zu bringen, als der Schlagzeuger 1987 in die Gruppe zurückkehrte.

Was „Reign in Blood“ so schockierend machte, lag nicht nur an der Geschwindigkeit der Songs. Zwischen Hörer und Band gab es kaum Barrieren. Die Gitarren klangen brutal „trocken“, das Schlagzeug wirkte lebendig und nah, nicht hinter Studioeffekten versteckt, und die Arrangements ließen kaum Zeit zum Durchatmen. Keine pompösen Einleitungen und Versuche, die Gewalt „aufzuhübschen“. Die Platte stürzte einfach mit voller Geschwindigkeit über den Hörer herein und ließ bis zum Schluss nicht nach.

Der Ruf des Albums wuchs mit den Jahren. Das Decibel-Magazin nahm es im November 2004 als erstes Album in seine Hall of Fame auf, und Kerry King hatte eine pragmatischere Erklärung für die Langlebigkeit der Veröffentlichung. Er sagte gegenüber Kerrang!: „Wenn man ‚Reign in Blood‘ heute veröffentlichen würde, wäre es allen egal. Es war eine Frage des Moments; es war ein Klangwechsel. Im Thrash Metal hatte damals niemand eine so hochwertige und kraftvolle Produktion auf Platten gehört. Es kamen einfach viele Faktoren zusammen.“ Don Kaye bemerkte, dass sich das Album „nicht so sehr wie ein evolutionärer Schritt anfühlte, sondern eher wie eine neue Messlatte für alles, was danach kommen sollte“, und Slagel fügte hinzu, dass es „extremen und superharten Metal einem Massenpublikum zugänglich gemacht hat. Es hat den Weg für Pantera und viele andere Bands geebnet, die Erfolg hatten.“

Doch seine bleibende Kraft geht weit über den bloßen Einfluss auf Tausende von Nachfolgern hinaus. Dave Lombardo bemerkt etwas Persönlicheres daran, was die Leute über das Album sagen: „Obwohl die Musik aggressiv und hart sein konnte, wurde mir wiederholt erzählt, wie sie Menschen geholfen hat, die schlimmsten Momente ihres Lebens zu überstehen. Und das ist wirklich wertvoll.“ Vor dem Hintergrund all der Gespräche über Geschwindigkeit, Schwere und Brutalität mag genau dies das wichtigste Maß für die wahre Lebensfähigkeit von „Reign in Blood“ sein.

Diesen Herbst feiert die Band ihr Bühnenjubiläum. Slayer beendeten ihre Tourneen im Jahr 2019, kamen aber 2024 wieder zusammen. Nachdem sie das Album am 4. September in Shakopee, Minnesota, vollständig gespielt hatten (ihre erste komplette Darbietung der Platte seit 2014), werden sie die Show im Rahmen ihrer Lateinamerika-Tournee wiederholen, die am 21. Oktober in Mexiko-Stadt beginnt, sowie am 13. und 14. November in der Kia Forum Arena in Inglewood, Kalifornien – es werden ihre ersten Konzerte in Los Angeles seit sieben Jahren sein.

Vierzig Jahre später klingt „Reign in Blood“ nicht so sehr wie ein Artefakt aus dem Jahr 1986, sondern vielmehr wie eine Warnung, die aus irgendeinem Grund nicht aufhört, aktuell zu sein. Ihr Einfluss ist überall, aber das Ausmaß der Wirkung ist schwer in Zahlen zu messen: zehn Lieder, 29 Minuten, keine einzige überflüssige Bewegung und ein Klangkonzept, das den Heavy Metal bis auf seine wildesten Grundfesten entblößte. Slayer hatten ursprünglich das Ziel, das schnellste und härteste Album ihres Lebens aufzunehmen. Vielleicht, ohne es selbst zu ahnen, schufen sie eine Veröffentlichung, die sich weigerte zu altern. Die Platte endet kaum, bevor man zum Atmen kommt, und genau darin liegt wohl das Wesen von Slayer.